Art Instruction Reference

Examensarbeit aus dem Jahr 2011 im Fachbereich Kunst - Kunstpädagogik, word: 1,0, Pädagogische Hochschule Karlsruhe (Kunst), Sprache: Deutsch, summary: Vorbemerkungen zu einem Themenkomplex mit Spannungspotenzialen: "KunstPädagogik" - "bildende Kunst"

"Der Mensch ist seine Kunst." (Asger Jorn. Zitiert nach Steffens, A.: Selbst-Bildung. Die Perspektive der Anthropoästhetik. Oberhausen 2011, S. 11)

Theoretische Überlegungen und deren Relevanz für eine pädagogische Praxis in und außerhalb von schulischen Kontexten an der Schnittstelle zwischen Kunst und Pädagogik begleiten mich nun schon von Beginn des Studiums an. Der Laie macht sich gemeinhin wenig Gedanken darüber, ob und wenn ja, used to be Kunst und Pädagogik gemeinsam haben und worin sie sich unterscheiden. In Zeiten, in denen Bildung an ihrer ökonomischen Verwertbarkeit gemessen wird, hat es die Kunst und somit auch die Kunstpädagogik als scheinbare Nebensächlichkeit im Kanon der Schulfächer schwer, sich in den Curricula der Bundesländer zu halten. Ich möchte einige Fragen an den Beginn dieser Arbeit stellen, um dann in mehreren Schritte den Versuch zu unternehmen, diese systematisch zu klären. (...)

Die Relevanz des Gegenstandes steht (also) außer Frage: Bildung betrifft jeden! Nicht nur diejenigen, die sich für ein Studium eines Lehramtes oder einer anderen pädagogischen Fachrichtung entscheiden, müssen sich mit Fragen der Bildung auseinandersetzen. Jeder, der studiert, bildet sich. Es ist Aufgabe und Pflicht jedes Studierenden, in Bildungsprozesse einzutreten. Darüber hinaus müssen wir als zukünftige Lehrerinnen und Lehrer nicht nur in der Lage sein, Bildungsprozesse bei den uns anvertrauten Schülerinnen und Schülern anzustoßen, sondern auch selbst fortwährend in Auseinandersetzung mit sich ständig und immer schneller ändernden Rahmenbedingungen treten.

Meine those ist: Nur, wer eigene Bildungsprozesse reflektiert und wer sich intensiv mit der Frage auseinandersetzt, used to be Bildung eigentlich ist, kann Bildungsprozesse auch bei Schülerinnen und Schülern anstoßen, in Gang setzen. Nur wer den Schmerz wie auch die Lust an der ständigen Auseinandersetzung mit dem Neuen und dem Fremden kennt, die Bildungsprozessen unweigerlich innewohnen, kann in seiner Funktion als Vor-Bild zeigen, dass es sich lohnt, sich dieser Aufgabe zu stellen. Dabei bin ich der Überzeugung, dass insbesondere die aktuelle Kunstpädagogik einen wichtigen Beitrag zum Verständnis und zur Reflexion eigener Bildungsprozesse leisten kann.

Studienarbeit aus dem Jahr 2005 im Fachbereich Kunst - Uebergreifende Betrachtungen, word: 1,0 - sehr intestine, Friedrich-Schiller-Universität Jena (Kunsthistorisches Seminar und Kustodie), Veranstaltung: Grenzerfahrung und Jenseitsvorstellung im Mittelalter und der Renaissance, 20 Quellen im Literaturverzeichnis, Sprache: Deutsch, summary: In der Literatur lässt sich keine allgemein gültige Definition für Totentanz finden. Jedoch charakterisiert sich der Totentanz durch verschiedene feststehende Merkmale. Eine weitere Vorbemerkung wäre, dass beim Thema Totentanz viele Uneinigkeiten herrschen z.B. über die Entstehung, die Deutung und die Quellen. Die Idee und Darstellung des Totentanzes zieht sich vom thirteen. Jahrhundert bis ins 15. Jahrhundert, von einer verhaltenen shape um 1350 bis zur dramatischen Entfaltung um 1450 und seiner Entseelung um 1525.
Zunächst handelt es sich um Kunstwerke, die sich meist durch zwei Medien, d.h. in Bild und einem zwei- bis achtzeiligen textual content, ausdrücken. Die Monumentalen Wandgemälde begleiten den Gläubigen auf dem Weg in den Gottesdienst an der Kirchhofsmauer. guy kann sie wirklich als huge bezeichnen, denn sie waren durchaus lebensgroß und konnten sich bis zu eighty Metern Länge an den Mauern entlang ziehen.
Das Hauptmotiv aller Totentänze ist die Gleichheit aller vor dem Tod, der Triumph des Todes.

Examensarbeit aus dem Jahr 2009 im Fachbereich Kunst - Kunstpädagogik, word: 1,0 , Pädagogische Hochschule Freiburg im Breisgau, Sprache: Deutsch, summary: Unterrichtsformen und -methoden haben sich in den letzten Jahren stark verändert
und werden stetig weiterentwickelt. Projektorientiertes Unterrichten, Freiarbeit,
handlungsorientierter Unterricht oder offener Unterricht finden immer mehr
Eingang in die Klassenzimmer. Auch im Kunstunterricht werden die
Lernarrangements komplexer, die unterrichtlichen Gestaltungsweisen nehmen
prozessorientierte Formen an, und die Schüler werden vermehrt zu
selbstgesteuertem Lernen angeleitet.
Aber wie verhält sich die Leistungsbewertung? Entspricht das traditionelle
Leistungsbewertungssystem noch diesen Neuorientierungen? Oder bleibt der
Bereich der Leistungsüberprüfung neben all den Umgestaltungen gar auf der
Strecke?
Es ist Aufgabe der Schule, die Schüler zu „Selbstständigkeit, Eigenverantwortung
und Selbstkontrolle" (Hentig 2004, S. sixteen) zu befähigen. Die stetig wachsende
Heterogenität innerhalb der Schule bedingt eine Individualisierung bezüglich der
Lernangebote und folglich der Leistungsbewertung.
Dies wirft eine Fülle an Fragen auf: Kann die traditionelle Leistungsbewertung all
diese Aspekte miteinschließen? Wie kann die geforderte Individualisierung auf
die Leistungsbewertung übertragen werden und individuelle Leistungen der
Schüler abbilden? Es ist zunächst zu klären, wie die traditionelle
Leistungsbewertung aussieht und welche Funktionen ihr zugeschrieben werden.
Erfüllt sie diese?
Ausgehend von diesen Leitfragen wird in dieser Arbeit sowohl die vorwiegend
praktizierte shape der Leistungsüberprüfung untersucht, als auch ein viel
diskutiertes Lern- und Leistungsbeurteilungsinstrument hinsichtlich eines
Einsatzes im Kunstunterricht genauer beleuchtet wird: das Portfoliokonzept.
Dabei soll der Frage nachgegangen werden, ob eine Leistungsbeurteilung mit dem
Portfoliokonzept den Anforderungen gerecht wird.

Studienarbeit aus dem Jahr 2003 im Fachbereich Kunst - Allgemeines, Kunsttheorie, be aware: 1,3, Freie Universität Berlin (Kunsthistorisches Institut), Veranstaltung: Einführung in die Methoden der Kunstgeschichte, Sprache: Deutsch, summary: Aby Warburg warfare einer der interessantesten und einflussreichsten Geisteswissenschaftler des 20. Jahrhunderts. Folgendes Zitat von ihm dürfte am besten seine Ansichten über eine gute Forschung an einem Kunstwerk ausdrücken: „Der liebe Gott steckt im Detail.“
Schon Jacob Burckhardt (1818 – 1897) beschäftigte sich ausgiebig mit der italienischen Renaissance, wobei Raffael für ihn den Höhepunkt der Kunstgeschichte bildete. Durch seinen lebendigen Umgang mit der Kunst, sowie auch durch seine allgemeinverständlichen Vorlesungen erlangte er ein großes Ansehen. Burckhardt brachte als Erster die Kulturgeschichte in die Kunstgeschichte mit ein. Aby Warburg bewunderte ihn und knüpfte an seine Forschungen an. Vergleicht guy beide aber miteinander, so kann guy feststellen, dass Warburgs Untersuchungen bedeutend umfangreicher sind und die von Burckhardt weit übertreffen.
Aby Warburg leitete mit seiner Arbeit eine neue Epoche der Bildüberlieferungen ein.
Bei seinen Ausarbeitungen hatte er sich immer das Staunen bewahren können und trug auch seine Ansichten mit solcher Leidenschaft vor, dass sein Publikum stets aufhorchte. Besonders erreichte Warburg dies bei seinem Vortrag über den Palazzo Schifanoja auf einem Kongress 1912 in Rom. Der Vortrag wurde zum Höhepunkt der Tagung, aber auch der seines öffentlichen Schaffens.

Studienarbeit aus dem Jahr 2009 im Fachbereich Kunst - Kunstpädagogik, word: "-", Leuphana Universität Lüneburg, Sprache: Deutsch, summary: Otto beschreibt den Auslegungsprozess in seinem zweiteiligen Buch „Auslegen. Ästhetische Erziehung als Praxis des Auslegens in Bildern und des Auslegens von Bildern“, dass 1987 veröffentlich wurde.
Wie schon im Titel angedeutet, ist Gunter Otto ein nicht ganz unwichtiger Teil dieser Arbeit, daher wird er und sein kunstpädagogischer Werdegang vorweg kurz vorgestellt. Nach dem Lebenslauf, der nur einige Eckdaten und Ereignisse Ottos Leben aufzeigen soll, wird durch die Beschreibung Ottos Weg als Kunstpädagoge eine Überleitung zu der Erläuterung seiner Methode „Auslegen“ geschaffen.
Der Auslegungsprozess ist in verschiedene Abschnitte gegliedert. Neben der Perceptbildung, durch Machen, Sammeln und Sprechen, steht vor allem die Konzeptentwicklung im Vorder-grund. Dieses Konzept entsteht mit Hilfe des Perceptes in Verbindung mit einem Kontext und Allocationen.
Mit dieser Methode sollen die Schüler etwas an die Hand bekommen, was once es ihnen ermög-licht, sich konstruktiv einem Bild anzunähern. Gensbauer formulierte dazu im Rahmen eines Seminares für Kusnterziehung auf Ottos Kunstdidaktik bezogen: „Der Kunstpädagoge müsse im Unterricht “Anschlußstellen” suchen, über die er die Schüler zur modernen Kunst führen könne. So kann der Weg in die Kunst sowohl über die Faszination des Machens, als auch über das Wissen und die theoretische details führen. Gegenwartskunst, so schließt Otto etwas pathetisch dieses Kapitel seiner Betrachtung, sei ein “Übungsfeld der Toleranz” und trage somit zur “Demokratisierung der Kultur” bei. Kunst müsse demnach gelehrt werden. Wer sich mit ihr beschäftige, übe sich in die Grundhaltung des Integrierens, des Tolerierens, des Experimentierens und Kritisierens ein.“

[...]

Fachbuch aus dem Jahr 2015 im Fachbereich Kunst - Uebergreifende Betrachtungen, , Veranstaltung: Kunstwissenschaft, Sprache: Deutsch, summary: Ein bekanntes aber immer wieder diskutiertes Grundcharakteristikum moderner Gesellschaften besteht darin, dass die Bereiche Wirtschaft, Politik und Kunst einerseits eine strukturelle und funktionale Teilautonomie besitzen, andererseits aber miteinander wechselwirken. Aus dieser Gleichzeitigkeit von Teilautonomie und Wechselwirkung resultiert eine trilaterale Ko-Evolution von Wirtschaft, Kunst und Politik.
Bei der examine dieser Ko-Evolution ist bislang eine Vermittlungsfigur nur unzureichend und einseitig analysiert worden, und zwar die Figur des Arbeitshelden. Dies erstaunt aus mehreren Gründen. Zum einen steht diese Figur seit der Antike im Zentrum der großen abendländischen Erzählungen. Zum anderen gibt es zwischen den teilautonomen Bereichen Wirtschaft, Politik und Kunst wohl kaum eine passendere Vermittlungsfigur als den Arbeitshelden. Und schließlich hat der Sozialismus den Arbeitshelden als Vermittlungsfigur zwischen Wirtschaft, Politik und Kunst geradezu unübersehbar und sinnfällig gemacht.
Die vorliegende Arbeit unternimmt den Versuch, die zentrale Rolle der Arbeitshelden in der Ko-Evolution von Wirtschaft, Politik und Kunst exemplarisch herauszuarbeiten und zu plausibilisieren. Dabei wird gezeigt, dass diese Vermittlungsfigur nicht repair und unveränderlich ist, sondern dass sie sich in diesem trilateralen Ko-Evolutionsprozess wandelt, so wie sich auch die teilautonomen Bereiche Wirtschaft, Politik und Kunst und deren Wechselwirkungsgefüge wandeln.
Empirisch wird die Doppelfunktion des Arbeitshelden in der vorliegenden Studie am Beispiel des Heldenwechsels vom „Stoßarbeiter“ zum „mittleren Helden“ in der DDR analysiert. Dabei greift die examine sowohl auf kliometrische als auch auf literaturwissenschaftliche Untersuchungen zurück.

starting with the 1st finished account of the discourse of appropriation that ruled the artwork global within the overdue Seventies and Eighties, Art After Appropriation indicates a matrix of inflections and refusals round the tradition of taking or quotation, every one bankruptcy loosely correlated with twelve months of the last decade among 1989 and 1999. the outlet chapters convey how the second one global tradition of the USSR gave upward push to a brand new visibility for images throughout the dissolution of the Soviet Union round 1989. Welchman examines how genres of ethnography, documentary and go back and forth are crossed with fictive functionality and social improvisation within the movies of Steve Fagin. He discusses how hybrid kinds of subjectivity are introduced via a brand new serious narcissism, and the way the Korean-American artist, Cody Choi converts diffident gestures of appropriation from the good judgment of fabric or stylistic annexation into non-stop included occasions. Art After Appropriation additionally examines the construction of public artwork from covert activities and social suggestions, and the way our bodies perform their very own appropriation. Art After Appropriation concludes with the arrival of the rainbow web, an imaginary icon that governs the areas of interactivity, proliferation and media piracy on the finish of the millennium.
John Welchman is Professor of recent paintings heritage, concept and feedback on the collage of California, San Diego. he's the writer of Modernism Relocated (1995) and Invisible Colors (1997); and editor of Rethinking Borders (1996), and a coming near near three-volume anthology of the writings of l. a. artist MIke Kelley. Welchman has contributed to various journals, magazines, museum catalogues and newspapers, together with Artforum; ny occasions; la instances; overseas bring in Tribune; la County Museum of paintings; Tate Gallery; Museum of up to date artwork, l. a.; Reina Sofia, Madrid; Haus der Kunst, Munich

the tale of the delivery of the subway graffiti circulation in manhattan within the phrases of twelve writers, whose creativity fuelled the flowering of the move within the overdue Nineteen Seventies and early Nineteen Eighties, shooting all of the uncooked, explosive creativity of that period.

Henry Chalfant's photos in Subway Art encouraged budding graffiti writers around the globe; now learn the tales at the back of these iconic photographs within the phrases of the pioneers of the graffiti circulation.

In the overdue Nineteen Seventies, manhattan urban used to be bankrupt, soiled and hazardous. Born on those dirty streets, graffiti swiftly made its mark. right here, the graffiti writers supply first-person debts in their reports. separately interviewed for this booklet, they display an actual, unheard of perception into the golden age of graffiti.

Henry Chalfant is the writer of the main profitable ebook on graffiti ever released, 'Subway Art', additionally released by means of Thames & Hudson.

Studienarbeit aus dem Jahr 2000 im Fachbereich Kunst - Allgemeines, Kunsttheorie, notice: 1.0, Universität der Künste Berlin (Institut für Kunstgeschichte), Veranstaltung: Surrealismus, 29 Quellen im Literaturverzeichnis, Sprache: Deutsch, Anmerkungen: Eine detaillierte betrachtung des Gegenstandes, das Surrealistische Objekt steht im Mittelpunkt der Untersuchung. V on dort aus bewegt sich die Autorin in benachbarte Gebiete, immer mit dem Blick jedoch auf die grundlegende Fragestellung zum Wesen des Objektes und seiner Wirkung in der Epoche des Surrealismus. , summary: Um sich den seit 1930 entstandenen surrealistischen Objekten zu nähern, bedarf es einer komplexen Definition. Vorerst versuche ich, eine Einsicht in die Mythologie (bzw. die artwork der Weltbetrachtung) des Surrealismus zu liefern, welche jedes Objekt, jeden Gegenstand aus der realen Welt als Antwort auf Stimmen und Fragen aus dem Unterbewußtsein definiert. Der für die Surrealisten so wichtigen Entdeckung des Unbewußten durch Sigmund Freud werde ich mich unter Punkt I.2 zuwenden, der daraus resultierenden Theorie der Surrealisten über das „objet trouvé", unter Einbeziehung des urgeschichtlichen Glaubens an Objektbesessenheit, Animismus und Fetischkult unter II.2. Auf diesen Erkenntnisse basierend, werde ich den Einfluß Lautréamonts auf die surrealistische Suche nach einer „beauté convulsive" erläutern und auf die verschiedenen Aspekte surrealistischer Anforderungen eingehen, die sie an ihre „konstruierten Objekte" stellten.
Das abschließende Kapitel widme ich einigen Arbeiten Alberto Giacomettis, der als erster surrealistischer Bildhauer gilt und bedeutend zu der Entstehung der „Objekte mit symbolischer Funktion beigetragen hat.